Independientemente de sus orígenes exactos, el arte latinoamericano ha hecho algunas de las contribuciones más significativas al mundo contemporáneo.
Se podría argumentar que la categoría de arte latinoamericano, tal y como la entendemos hoy en día, realmente surgió alrededor de la década de los setenta. Cualquiera que sea su origen exacto, ha sido evidente para los historiadores de arte, los conocedores y el público en general que por más de 50 años, los artistas de América Latina han hecho algunas de las contribuciones más significativas a las tradiciones del Conceptualismo, el Minimalismo y el Arte de la Interpretación. Las conmociones que comenzaron a surgir a finales de la década de los sesenta subyacen a las ondas de choque del arte latinoamericano contemporáneo, que tiende a centrarse en la alienación, la explotación y la fractura de las políticas de identidad que siguen a la estela del imperialismo occidental y de las dictaduras militares.
A partir de los primeros años, varios países latinoamericanos consolidaron su reputación en el mundo anglosajón con altas ventas en subastas y representación institucional. En 2002, por ejemplo, el Tate designó a Cuauhtémoc Medina como su primer curador asociado de arte latinoamericano. Alrededor del año 2004, como Emma Crichton-Miller señala en la revista online How to spend it, “el ingenioso y polifacético artista conceptual mexicano Gabriel Orozco” tuvo su primera exposición individual en la Serpentine Gallery. Hacia el 2019, las pinturas de Orozco en rojo, azul, blanco y dorado, su habilidoso homenaje a la abstracción geométrica, se venden regularmente en subastas a un precio de seis cifras, con una venta récord de 665.000 dólares para la obra Roto Spinal en Sotheby’s Nueva York en el 2013.
Si bien Orozco se destaca como uno de los principales artistas del continente, existen otros que merecen una mención especial en cualquier introducción al arte latinoamericano contemporáneo. A continuación, analizaremos algunos de los talentos establecidos y emergentes de la región, explorando los conceptos que conforman su práctica creativa e identificando algunas de sus obras más importantes.
Luiz Zerbini
Uno de los artistas más importantes de la escena brasileña, crea efectos ópticos que invitan a la contemplación. Es un artista que multiplica constantemente las posibilidades formales relacionadas con su pintura y rechaza cualquier posible estancamiento de la fórmula establecida, lo que dificulta la definición de cualquier linealidad en su producción.
Zerbin entró en escena en un momento en que muchas personas, incluso artistas de América Latina, pensaban que la pintura estaba muerta. Con un renovado sentido del formalismo inspirado por los primeros pintores modernistas, y enriquecido por el legado del Conceptualismo, Zerbini ha llegado a hacer algunas de las pinturas más distintivas para lograr visibilidad global. También realiza trabajos de escultura, video, dibujo, fotografía y escritura. Una vez declaró en una entrevista con Conceptual Fine Arts: “Soy un tipo curioso… siempre en busca de cosas nuevas, de aliento. Soy una persona tranquila, pero mi trabajo es inquieto, tiene que serlo. Por eso me arriesgo tanto y cometo errores de vez en cuando”.
Gabriel Orozco
Oriundo de México, apareció en la escena internacional en la década de 1990 con obras que incorporaban una multitud de medios diferentes, desde dibujos a instalaciones, pasando por fotografía y esculturas. Según el Guggenheim, “el vocabulario estético[de Orozco] se debe al Conceptualismo, las tradiciones artísticas de su México natal, y los readymades de Marcel Duchamp. El tema principal de Orozco es la frágil relación de los objetos cotidianos entre sí y con los seres humanos”.
En sus primeras obras como Cinco problemas (1992), Orozco se deleitaba con el desplazamiento poético de los objetos. En esta obra en particular, cinco patatas de los cuadernos adquieren su extrañeza del hecho de ser de alguna manera más reales, más formadas que las páginas vacías de los cuadernos que no se han comprado y que están en un estante. El uso de objetos encontrados se convirtió en un elemento básico de la obra de Orozco a lo largo de la década de los 90, una tendencia que gradualmente dio paso a obras más formalistas en los primeros tiempos, inspiradas en parte por las tradiciones pictóricas asiáticas y en parte por los matices de la percepción cotidiana.